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sábado, 17 de abril de 2010

TIC-TAC


¿Qué es un segundo?

Un segundo es la duración de 9.192.631.770 oscilaciones de la radiación emitida en la transición entre los dos niveles hiperfinos del estado fundamental del isótopo 133 del átomo de cesio (133Cs), a una temperatura de cero grados kelvin.

Pero también es todo lo que ocurre en un pestañeo, que un semáforo se ponga en verde, que una lágrima se transforme en sonrisa, que se te rompa la mina del lápiz, una gota que te cae por la calle, reconocer a una persona a lo lejos, o una canción que suena, el cruce de dos miradas, la diferencia entre un regalo cerrado y un regalo abierto, la tensión en una montaña rusa antes de la gran caída, el tono de una llamada telefónica antes de contestar, el momento antes de separarte de una persona, o de volver a encontrarla, el pliegue que hace que un folio se convierta en una pajarita de papel, el instante en que tu castillo de arena se cae, o la última frase de un libro.


Un segundo es el tic de un reloj. Y también el tac.

sábado, 9 de mayo de 2009

LA DOGARESA


Hay múltiples personajes a lo largo de la historia que me impresionan profundamente. De inmediato acuden a mi memoria los nombres de Chaplin, Indira Gandhi, o de Charles De Gaulle, olvidándome de otros. Pero del que nunca, nunca me olvido es de la Dogaresa, que así llamaban los venecianos a Peggy Guggenhein, en señal de respeto, de cariño, y de admiración.

Nació en 1918 en el seño de una rica familia judía, entró en posesión de un rico patrimonio a edad muy temprana. Fue cuando entró en comenzó a frecuentar el mundo artístico y literario, cuyos centros principales eran Londres y París.

Le atraían de forma muy morbosa especialmente los artistas, en cuya vida bohemia se sintió perfectamente cómoda. Se hizo mecenas de aquel ambiente: invirtió su gran fortuna dedicándose a coleccionar grandes obras con una pasión devorante a los autores de aquellas obras: amiga y amante de de muchos, mujer de algunos en períodos más o menos largos, fue para todos “una musa inquieta”.

Viajó a EEUU con su gran colección, dónde organizó en Art Of The Century, una galería de arte que pronto se hizo internacionalmente famosa y que constituía la única colección exhaustiva de las corrientes de vanguardia desde principios de siglo hasta los años cuarenta. También expuso su colección en la Bienal de Venecia. Fascinada por la belleza de la ciudad, ya no la abandonó nunca más. Adquirió el Palazzo Venier Dei Leoni sobre el Gran Canal, y la transformó en casa-museo, dónde murió en 1979.



Era una mujer frágil, diminuta, de ojos azules, los cuales casi siempre ocultaba tras unas inmensas gafas negras que le daban un aspecto de faraónico y alucinado. Por su palacio desfilaron grandes escritores, músicos, poetas, y pintores de su tiempo. Todos la consideraron como la más inteligente mecenas del siglo.

Ella presumió siempre de ser una mujer libre, “los únicos obstáculos con los que me he tropezado en la vida han sido mis maridos”. ¿Y cuantos fueron?.¿Cinco, seis,siete..? Ni ella misma lo sabía. Su padre, Benjamín Guggenhein, murió en el naufragio del Titanic, contaba su hija que prefirió morir con un precioso esmoquin antes que con una horrible chaqueta salvavidas. De ahí esa gran fortuna, y a través de su abuelo Salomón Guggenhein, fundador del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Se dice que todos sus amigos fueron sus amantes, entre ellos Max Ernst, Samuel Becket, Breton, Marcel Duchamp, Picasso, Chagal…

Ella misma y su palacio se convirtieron en el punto central del mundo intelectual europeo, ella así lo quiso , y creo que no se equivocó.


martes, 14 de abril de 2009

LA IRA DEL SURREALISMO



El ángel del hogar o El triunfo del surrealismo fue pintado por Max Ernst en 1937 como una verdadera visión de las tragedias que conllevaría la guerra.Esta forma demoníaca,mitad pájaro,mitad serpiente,mitad hombre,mitad dios,es la encarnación de la ira absoluta:manos y pies monstruosos,esa cabeza monstruosa con ese pico dentado,el cielo sombrío y la tierra negra,por dónde pisa hay destrucción.Esta alusión es la furia destructora de la muerte que estaba a punto de abatirse sobre Europa.

Max Ernst,artista inclasificable,con una visión especial del surrealismo,fue realmente,y como dijo Breton en 1928,el "archibrujo".

Esta gran obra pertenece a una colección particular.

lunes, 23 de marzo de 2009

LA IRA MALSANA

"Todo lo que es más débil es inevitablemente más desagradable"

Séneca




Los cuatro campesinos ebrios que pelean alrededor de una mesa de juego expresan cada uno a su manera una rabia precisa,efímera,diferenciada,la ira malsana del hombre común cuando actúa movido por una excitación momentánea:el tabaco,el alcohol,el juego.

El personaje con la boca abierta que está en primer plano presenta todos los síntomas.Es además esta misma ira la que castiga:se agreden se pelean,hay daño.

Brouwer era muy apreciado en su época por estas escenas de campesinos,albergues,cabarets,fumadores y jugadores.Rubens y Rembrandt coleccionaban estas obras,que influyeron en los artistas flamencos llamados "costumbristas" de la segunda mitad del siglo XVII como David Teniers o Adriaen van Ostade.

Es la ira común que se produce todos los días en cualquier lugar y en cualquier momento,la "Riña de los jugadores de cartas en un albergue" se encuentra actualmente en el Museo de Munich.

jueves, 26 de febrero de 2009

LA IRA DEL TRABAJADOR

"LA IRA DEL TRABAJADOR ANTE LA INJUSTICIA LABORAL ES UNA IRA TOTALMENTE JUSTIFICADA"

-LOLA ITURBE-


A lo largo de cientos de años, miles de personas han luchado por los derechos laborales que actualmente disfrutamos.Muchas vidas se han perdido por esta lucha,la ira del trabajador contra la injusticia laboral ha dejado marcada la historia del trabajador en este mundo.

La huelga,el derecho a protestar,es la cólera social,la cólera del mundo obrero la que aparace en esta manifestación pintada en 1899.

Jules Adler,pintor de la calle,representa aquí un desfile de agradecimiento de la población de Creusot a la comuna de Montchanin,por su participación en las huelgas de 1899.La ramita de retama que sostiene la mujer pálida que aparce en segundo plano nos recuerda el acontecimiento.La del primer plano,con la boca abierta,canta La Internacional bajo el rojo dominante de la bandera,y encabeza una negra masa de hombres cuyas manos han sido voluntariamente agrandadas para simbolizar la fuerza del trabajo.

Según estudios,para la modelo que lleva la bandera,Jules Adler tomó una cantante de un café parisino,y se representó a sí mismo bajo la segunda bandera,detrás del niño del tambor.

Al fondo podemos ver la comuna de Creusot y los pozos de San Pedro y San Pablo de las forjas Scheneider.

A finales del siglo XIX,el triunfo industrial del Segundo Imperio dio paso a la crisis y a los trastornos sociales con los que comenzaría el siglo XX.Como la prensa,la imprenta o la fotografía,la pintura rememora los grandes acontecimientos populares:"El pueblo ha entradoen la política y ha entrado también en el arte",escribió un periodista francés.

Es la ira de la clase trabajadora ante la injusticia,es una ira que tal vez nunca termine,es la ira de Jules Adler autorretratado en esta obra por la defensa del trabajador.

Actalmente "La Huelga" de Judes Adler se encuantra en El Creusot,Ecomuseo de la Comunidad.


domingo, 8 de febrero de 2009

LA IRA DE SANSÓN



Fue traicionado por la mujer que amaba, (por unas cuantas monedas). Después de ser capturado, seguramente los filisteos, castigaron a Israel por las acciones de Sansón. Y es muy probable que mataron a sus padres. Fue despojado de su gran fuerza, que era lo que lo hacia diferente a los otros hombres, y la fuente de su seguridad. Sus ojos fueron removidos de su cara. Estaba en total obscuridad, con solo sus pensamientos y memorias para acompañarlo. Dios lo había dejado de lado.


Cuando Sansón tumba los pilares en el banquete de los filisteos, el clama a Dios y le pide una ultima unción de fuerza. Obviamente esta arrepentido de las decisiones que tomo en el pasado. Se da cuanta de su egoísmo, y que había usado el regalo que Dios le había hecho para su propio beneficio, y no para liberar a Israel de su opresor. Y en un ultimo sacrificio da lo único que le queda, su vida.


De todos los personajes de la Biblia, uno de los más populares es sin duda Sansón. Cuando se pregunta a los niños qué personajes bíblicos
conocen, uno de los más nombrados es este «héroe» de cabellos largos y fuerza sobrehumana. Y si extendiéramos la pregunta a los adultos, la respuesta no variaría mucho.

El prototipo heroico que realiza hazañas prodigiosas va inseparablemente vinculado con la historia humana: el Hércules griego, el Sansón semítico, el macarra moderno. Pero ¿queda ahí todo el atractivo de Sansón? ¿No tiene la historia de Sansón nada más que decirnos?

Si nos detenemos, por ejemplo, en su comportamiento, vemos que Sansón fue mujeriego, infiel en su matrimonio, voluble, violento y caprichoso. ¿No deberíamos por tanto hablar de él más bien como de un «antimodelo»?

El distintivo propio del personaje es su fuerza extraordinaria: despedaza a un león como se despedaza a un cabrito, rompe las cuerdas que le atan, arranca puertas... Su fuerza no sólo es brutal y desmedida ,sino que es también provocativa al robar las puertas de la ciudad enemiga donde se ha acostado con una prostituta; es vengativa cuando quema las mieses filisteas prendiendo fuego a las colas de las zorras; es sanguinaria cuando se venga por con la muerte de mil hombres por haber sido maniatado.

Sin embargo, a la vez, el autor bíblico nos lo presenta como el hombre débil, seducido, engañado y utilizado. Retadora y vanidosamente ha alardeado de su libertad y su fuerza ante los enemigos de Israel manteniendo oculta su verdad más profunda: que la fuerza no es suya sino de Dios.

Es significativo que en el abandono total, a causa de su pecado, la fuerza bruta le lleva a ser utilizado como un animal. La esclavitud en la prisión, con los ojos vaciados, moviendo el molino, lo humilla aún más por ser este un trabajo propio de animales o de esclavos, nunca de hombres libres. El hombre tan temido pasa a ser de este modo objeto de burla.

Sansón, empero, no aparece en el relato bíblico como un hombre tímido o apocado: su osadía va lejos enamorándose de una hija de los filisteos «que por aquella época dominaban en Israel» (Jueces, 14,4). Parece que en la lejanía tiene que encontrar la compañía que le niegan «las hijas de su propia nación».

En un drama de acción rápida se sucede la boda con la filistea, el enigma provocativo con los mozos del poblado, la insistencia de la joven esposa que le traiciona finalmente desvelando el acertijo a los suyos; después, la venganza de Sansón, la pérdida humillante de la esposa, el incendio de la casa de la esposa por parte de su propia gente, la fuga de Sansón a la caverna y su entrega a los enemigos por parte de su propio pueblo.

Es un hecho que Sansón, a pesar de su fuerza bruta, dista mucho de servir como modelo para nadie, y mucho menos como persona consagrada. Su talante violento e impulsivo, inconstante e infiel, le lleva a estar más preocupado por dar rienda suelta a sus instintos y solucionar sus «asuntos» con los enemigos que ser fiel a su vocación de juez.Sansón peca con la ira,diga lo que diga la Biblia..


En esta obra,
Sansón amenazando a su suegro
,de Rembrandt,representa su obcecación,la gran expresividad de su rostro,el puño en alto representa el rechazo a la opresión del filisteo dominador que abre la ventana.Entre 1630 y 1640,éste fue uno de los temas favoritos de los holandeses,ya que encarnaba un recuerdo violento de la ocupación española de las que se habían liberado.Rembrandt,que pintó este mismo tema bajo otros títulos,rechazaba el clasicismo a la antigua.Retomaba los temas y los humanizaba,haciéndolos así más cercanos al contexto holandés del siglo XVII.La obra fue realizada para un famosso mecenas.


Actualmente esta obra se encuentra en el Museo Estatal de Berlín.

lunes, 26 de enero de 2009

LA IRA DE JESÚS EN EL TEMPLO


EL COLÉRICO ATIZA LAS PENDENCIAS,EL IRACUNDO MULTIPLICA LOS CRÍMENES

PROVERBIOS 29:22



Jesús está de pie,el brazo levantado,amenazante,presa de una cólera divina.Nos recuerda al Dios de la Ira del Antiguo Testemaneto,que acusa,atemoriza y destruye,pero que en este caso se humaniza y se vuelve sensual y comprensivo.



Es la característica del barroco falamenco y holandés.Todo debe pasar por los sentidos,hasta llegar al límite de éstos y de la figuración de la vida:el color claro,las expresiones,los movimientos,el alegre tumulto del escenario en conjunto,los personajes típicos de Jacob Jordaens,como el sileno ebrio en medio del grupo de mercaderes o el Cristo perdido en el conjunto.

Jordaens retoma el texto bíblico:"Entrando Jesús en el Templo,comenzó a echar fuera a los que vendían y a los que compraban;volcó las mesas de los cambistas y los puestos de los vendedores de palomas(para ofrendas de los peregrinos)y les dijo:-¿No está escrito :mi casa será llamada casa de oración para todas las gentes?Pero vosotros habeís hecho una cueva de bandidos?-"



Al mismo tiempo curó a los ciegos y cojos que allí se encontraban(parte derecha del cuadro,bajo la mirada indignada de los grandes sacerdotes y de los escribas que dominan la escena).

Obra maestra del artista,fechada en 1628,"Jesús expulsando a los mercaderes del Templo" da ya señales de un estilo propio,al final de la época en la que todavía trabajaba en el estudio de Rubens.

Es un reflejo de la ira de la Iglesia,de sus textos bíblicos,la ira de Jesús en el Templo reflejada por Jacob Jordaens(1593-1678).Actalmente esta obra se encuentra en el Museo del Louvre de París.

domingo, 18 de enero de 2009

LA IRA DE GOYA








"ATACAMÉ,O SERÉ YO EL QUE ATAQUE"

HOMERO



Los rostros que aparecen en primer plano,los mamelucos,las manolas y el bandido Maragato,expresan una ira cruel,que reclama venganza y sangre.

El 1,2 y 3 de mayo de 1808 fueron tres días gloriosos para España.Si la jornada del 3,"El tres de mayo" de Goya,es conocidísima,ésta lo es mucho menos.Representa la matanza de franceses y españoles en la Puerta del Sol de Madrid,que enfrenta las tropas comandadas por Murat en nombre del emperador del pueblo de Madrid armado con puñales.Los españoles intentan expulsar a los franceses,que acababan de derrocar al emperador Fernando VII para sustituirlo por José,hermano de Napoleón.

Es una obra revolucionaria;es la ira de un pueblo y de la calle contra el poder y el absolutismo.Goya lo pintó en 1814,cuando Fernando VII había recobrado el poder.Pero se sabe que se valía de numerosos bocetos,dibujos,y que ya había publicado la serie "Los desastres de la guerra".

Para Malraux,"el arte comienza con la libertad en la obra de Goya".Es la ira,la ira de Goya el 2 de mayo de 1808.

lunes, 12 de enero de 2009

LA IRA DE LA DANZA DE LA MUERTE

"CUENTA LA LEYENDA QUE A LA MEDIA NOCHE APARECE LA MUERTE EN LOS CEMENTERIOS TOCANDO EL VIOLÍN INVITANDO A QUE LOS MUERTOS SALGAN DE LAS TUMBAS Y COMIENZEN A DANZAR,A DANZAR LA IRA DE LA MUERTE"


Dentro de las más oscuras de la naturaleza humana hay temores que calan muy hondo,el temor a los desconocido,temor a lo inseguro,temor a ser olvidados y caer en un profundo abismo de nada.La muerte personifica el olvido,es la ira de la desaparición en su más plena esencia.En los tiempos antiguos,cuando la peste hacía estragos por Europa,cuando las guerras eran interminables,el arte comenzó a jugar con el tema de la muerte,con la ira de la humanidad ante su fin.

La Danza Macabra o Tontentanz,es un tema alegórico que se carazteriza por la representación de esqueletos humanos(símbolo de la muerte)danzando,moviéndose o jugando como si quisiesen volver a su vida perdida.Tanto el rico como el mendigo,el Papa como el hereje son representados en estas imágenes,al final somos todos huesos en nuestras tumbas.

En la danza macabra vemos esas diferencias terrenales se acaban con la muerte,y son esqueletos los que nos comentan que los días de la ira del Señor llegará sobre nosotros, y que la vida ya no importa.

La figura de los esqueletos en los siglos XIV y XV reperesentaba la ira de la muerte,en un mundo como he dicho anteriormente plagado de guerras y plagas de enfermedades,donde la población en su desesperación caía en este pecado capital.

Podemos ver representaciones de esta alegoría en los gravados del siglo XV y XIV de Huy Marchant,quién se podría decir que es uno de los padres de este género.Infinidad de frescos y gravados se encuentran en capillas y cementerios más antiguos de Francia,Suiza y Alemania.Siendo la obra más famosa(ya destruida)la que se encontraba en la Iglesia de los Santos Inocentes de París.






En poesía y literatura Goethe,Calderón de la Barca,Quevedo y muchos más de los destacados escritores dejaron su huella sobre este tema.

En el mundo de la música esta temática ha sido utlizada por numerosos compositores.Se puede decir que es otra forma musical de reperesentar el Dies Irae,como lo hizo Mozart en su Requiem.De entre las composiciones que se asocian a la temática de la ira de la muerte es la célebre Danza Macabra de Saint Saens,basada en un poema de Henry Cazalis(1840-1909),poeta francés:

“Zig y zig y zig”, la cadenciosa muerte llama,

con el talón de su pie, a una tumba.

La muerte, a media noche,

baila, “Zig y zig y zag”, sobre su violín.

El viento invernal sopla y la noche está sombría.

Se escuchan los gemidos de los tilos.

En la oscuridad se ve a los blancos esqueletos

correr y saltar bajo sus mortajas…”


Este poema sinfónico describe la muerte que,tras escuchar las campanadas de media noche,comienza a bailar tocando el violín.En su danza,la Muerte,está acomapañada de una corte de esqueletos.El ritmo se va haciendo cada vez mas frenético hasta que al llegar el amanecer,los esqueletos regresan a sus tumbas y la Muerte se queda sola.Es la muerte,es la ira de la muerte.

Espero que disfruteís de tan maravillosa composición,la ira de la muerte,la Danza Macabra.

domingo, 21 de diciembre de 2008

LA IRA DE CHARLES LE BRUN





De las cuatro representaciones de la ira,"La ira entremezclada con la crueldad" y "La ira entremezclada con la rabia" pertenecen al estudio de veintitrés cabezas dibujadas por Le Brun(1619-1690) para ilustrar su "Conferencia sobre la expresión general y particular",que dio en la Real Academia de Pintura en 1668.

En ellas muestra las deformaciones del rostro según los músculos afectados por las pasiones resultantes de sentimientos como la ira,la risa,el odio,el miedo...

Utiliza como base una máscara tranquila en reposo y la transforma,mediante un juego de rasgos,de frente y de perfil,en la representación de los estados más extremos del alma.

Su punto de partida fue el "Tratado de las pasiones del alma",publicado por Descartes en 1649,de este tratado escribiré en otro post..ya que os aseguro que es muy interesante.

A partir de una teoría fisiológica,el autor quiso demostrar que sólo el hombre,animal superior,es capaz de dominar sus efectos,si "su alma es lo bastante fuerte y educada".

Le Brun plasmó esta teoría en imágenes y creó un auténtico código de expresión de los sentimientos,que sería utilizado durante decenios por todas las artes,de pintura al grabado,pasando por el teatro.

domingo, 14 de diciembre de 2008

LA IRA DE "EL BOSCO"





Representación del mal,del "deseo humano de combate sangriento,de suplicios,indiferente a sí misma con tal de perjudiciar al otro,(la ira) se abalanza sobre sus propias armas,ávida de una venganza que arrastrará con ella al vengador".

Así lo describe Séneca en "De la cólera".

Es la representación de la caída,de la identificación del mal frente a la tranquilidad y la ausencia de pasiones exteriorizadas.

En esta obra,los perfiles,las bocas y los ojos aparcen crispados,desorbitados.Las cabezas dominan el conjunto,monstruosas,caricaturescas,de inspiración popular.Se agrupan y se alinean como si fuese una masacre,el mal sobre el bien.Sólo el Cristo,la Verónica y el buen Samaritano,representados en una misma línea,aparecen sosegados y tranquilos ante todo el mal que les rodea.Es una clara reprentacion de la fuerza,de esa ira maléfica luchando contra el bien.

La locura humana es el tema favorito de el Bosco,y su escenificación,con fines moralizantes,le hizo famoso.Según historiadores era una persona totalmente obsesionada por el pecado,muchas veces de una forma extrema ,tal vez por la época de controversias religiosas.

Al igual que la ira de Mozart,Jerónimo Bosch "El Bosco",cayó en su propia ira pintando esta gran obra.

"Jesús con la cruz a cuestas"(1510-1535),se encuentra actualmente en el Museo de Bellas Artes de Gante de Bélgica.Hay al menos,otras dos versiones realizadas por El Bosco,una en el Monasterio del Escorial,y otra en el Museo de Bellas Artes de Viena.